好きな歌手の真似はどこまで有効？似せられる所と限界

好きな歌手をひたすら真似て育った人は、プロにもたくさんいます。ただ、同じように真似ていても、伸びる人と止まる人がはっきり分かれます。

違いは熱量ではありません。何を写そうとしているかです。写せないものを追いかけている限り、時間だけが過ぎます。逆に写せる要素を狙って抜き出せば、コピーはこのうえなく効率のいい練習になります。

線引きをはっきりさせておきましょう。

写せる側と写せない側を分けたうえで、コピーを練習として機能させる手順まで進みます。

写せないのは、どこまで？

体格から決まる響きの重心は、どれだけ練習しても寄りません。

声の音色の大部分は、喉から唇までの空洞の形と大きさで決まります。この寸法は生まれ持ったもので、訓練で変わる部分ではありません。よく通る歌声に現れる3kHz付近の響きの山は、声の種類ごとに中心の高さが異なり、低い声のバスでおよそ2,420Hz、バリトンで2,550Hz、テノールで2,840Hz、女声のコントラルトで3,000Hzと測られています(出典：歌声の音響学に関する解説)。

この重心が違う二人が、同じ音色になることはありません。憧れの歌手の声が自分より明るい側にあるなら、どれだけ喉を操作しても、その明るさそのものには届かない。ここは声質のうち変えられない側として、早めに手放したほうが得です。

問題は、この事実を知らないまま「あの声に近づけない」と頑張り続けることです。たいていの場合、行き着くのは喉の締め付けです。喉声の癖が、憧れの歌手のコピーから始まっている方は、実際にかなりいます。

では、写せるのは何？

時間の使い方と、音の飾り方。この二系統です。

写せる要素を具体的に挙げます。

• 音を置くタイミング——拍のどこに声を乗せているか。前寄りか、後ろ寄りか。
• 揺らし方——伸ばした音をどのくらいの速さと幅で揺らすか。
• 言葉の切り方——どこで息を継ぎ、どの子音を立て、どの語尾を消すか。
• 音量の設計——一曲の中でどこを抑え、どこで開くか。
• 装飾の入れどころ——しゃくり上げ、こぶし、フェイクをどの密度で入れるか。

どれも、体格に依存しません。だから練習で自分のものにできます。

タイミングはジャンルごとに型がある

ファンク、ソウル、R&B、ヒップホップ、EDMの5つのジャンルについて、プロの録音のタイミング特性を定量的に分析した研究があります。バックビートの位置、16分音符の揺れ方、音の長さ、音の立ち上がり方が、ジャンルごとに異なる型を持つことが示されました(出典：ポピュラー音楽研究の学術誌)。

つまり、あなたが憧れている歌手の「ノリ」は、その人の才能というよりジャンルの文法である場合がかなりあります。文法なら学べます。タメと後ろノリやR&Bの音の置き方で扱っているのは、この層です。

揺らし方にも数値の目安がある

伸ばした音の揺れについては、音楽を専攻する学生を複数の施設で計測した研究があり、上級者の揺れの速さはおよそ毎秒5.2〜7.3回の範囲に収まっていました。聴いて自然に感じられる範囲も、だいたい毎秒5〜7回です(出典：Journal of Voice)。

さらに、オペラ・ロック・ブラジルのカントリーという3つのジャンルを比べた研究では、揺れの速さと幅にジャンルごとの統計的な差が確認されています(出典：歌唱の揺れに関する比較研究)。憧れの歌手の揺れが自分と違って聴こえるなら、それは天性ではなく設定値の違いかもしれません。設定値なら合わせにいけます。揺れの速さと幅の作り方に手順があります。

コピーは、どういう手順でやると効く？

まるごと歌う前に、層ごとに分けて取り出します。

いきなり通して歌うと、写せない音色に耳が引っ張られます。次の順で進めると、写せる要素だけを取り出せます。

1. 一箇所を選ぶ——一曲全部ではなく、四小節でかまいません。むしろそのほうが精度が出ます。
2. タイミングだけを聴く——歌詞も音程もいったん忘れ、拍のどこに音が来ているかだけを追います。手拍子を打ちながら聴くと分かりやすくなります。
3. 言葉の処理を書き出す——どこで息を継いでいるか、どの語尾を切っているか。譜面ではなく歌詞カードに印をつけます。
4. 装飾を数える——しゃくりや揺れが何回、どこに入っているか。数えると、印象より少ないことに驚くはずです。
5. 自分の声で再現する——ここで初めて声を出します。音色を似せようとせず、写した要素だけを自分の音色に載せます。

音源から情報を層ごとに取り出す作業そのものについては、耳コピの聴き取る順番にまとまった手順があります。あわせて使うと精度が上がります。

録音して照合するところまでが一手順

再現できたつもりで終わるのが、いちばんもったいない失敗です。熟練した歌手の練習行動を分析した研究では、目標を設定し、その場でフィードバックを取り、自分を観察しながら進めるという構造が共通して見られました(出典：国際音楽教育研究の学術誌)。自分の再現とお手本を並べて聴く工程まで含めて、ひとつの練習です。

真似すぎると、自分がなくなる？

写した要素は素材として残るので、むしろ引き出しが増えます。

「真似ばかりしていると個性が育たない」という心配をよく聞きます。ただ、実際に起きるのは逆です。タイミングの型を三つ持っている人は、曲によって選べます。ひとつも持っていない人は、選びようがありません。

聴き手の側から見ても、この点は裏付けがあります。ミュージカルの熟練歌手と学び始めの歌手を聴き比べ、聴取者が何で区別しているかを調べた研究では、分かれ目になったのは声の美しさより、音の運び方や安定性に関わる要素でした(出典：音声・歌唱の知覚研究)。個性として受け取られているのは、音色ではなく扱い方の側だということです。

だから、写す対象を一人に絞らないでください。三人、四人と増えるほど、要素は混ざり、どこから来たか分からない形に変わっていきます。歌い分けで変える所と残す所の考え方が、そのまま応用できます。

真似が上達につながらないのは、どんなとき？

音色を追い、喉で寄せようとしているときです。

危ないサインを挙げておきます。歌ったあとに喉が疲れる。特定の一人の曲しか歌えなくなっている。原曲のキーで歌うことにこだわっている。この三つが揃っているときは、写せない側を追いかけている可能性が高いと考えてください。

キーを原曲どおりにする必要はありません。憧れの歌手と自分では、そもそも楽に使える高さの帯が違います。自分の帯を先に確定させておくと、この判断が速くなります。自分の声が嫌いだと感じる理由の多くも、この「届かない音色を追う」構図から生まれています。

よくある質問